PRESENTACIÓN

El primer Congreso Internacional de Música y Tecnologías Contemporáneas (CIMTECO) abordó temas como “Preservación y restitución del patrimonio”, “Pedagogía y análisis”, “Tecnologías actuales”, “Interpretación y Percepción” y “Sociología y Estética”. Todo ello referido a la aplicación de las nuevas tecnologías electrónicas a diversos aspectos de la actividad musical.

Esta segunda convocatoria quiere centrarse en lo que justifica los parámetros de aquel “estado de la cuestión” que sobrevolamos hace dos años, y que es la creación musical misma.

Aunque los artistas contemporáneos se sirven de las nuevas tecnologías electrónicas, la tecnología en sí no es ninguna novedad. La encontramos en el arte desde la cueva de Altamira hasta Internet. En cuanto a la música está claro que la técnica de fabricar utensilios para producir sonidos está en su origen.

Siempre la música estuvo vinculada a la tecnología. Siempre existió esa relación de condicionamiento o dependencia de la primera con respecto a la segunda. El pianismo de Mozart y de Brahms son diferentes también porque el piano era tecnológicamente diferente.

Sin embargo las últimas décadas han introducido un elemento diferencial en esta tradicional relación, y es que frente a la tradicional concepción de que los medios tecnológicos son simplemente una herramienta de expresión, hoy día las herramientas o los medios se convierten en muchos casos en “el mensaje”. Y esta es una cuestión fundamental que se plantea como tema de reflexión en la presente edición del Congreso.

Otro aspecto, no menos importante, es la evolución de la relación en cuanto al arte se refiere de las nuevas tecnologías, relación que en la segunda mitad del siglo veinte pasa fundamentalmente por diversos estadios. Un deseo de humanización de las nuevas tecnologías en los sesenta, una politización en los setenta. En los ochenta se produce más bien una espectacularización de las mismas coincidiendo con el tránsito del lo analógico a lo digital, mientras que en los noventa se produce un fenómeno de tecnificación, el uso de las herramientas como prolongación del propio cuerpo. El paradigma actual es la socialización, una relación dinámica y evolutiva debida a la participación del propio artista en el desarrollo tecnológico.

Esta socialización nos conduce a la idea de democratización u horizontalidad, muy presente en el gran y candente debate actual acerca de los sistemas abiertos y participativos.

El papel de la tecnología fue siempre el de transformar el medio. El del creador,  el de hacer uso, por supuesto, de esa tecnología, pero también el de luchar denodadamente contra las limitaciones de la misma: el arte está dirigido por las restricciones. En este empeño subyace por otra parte una voluntad de subversión, común a todos los procesos creativos.

Dos paradojas rodean al compositor que se sirve de las tecnologías electrónicas. Primero tener que usar herramientas que no han sido pensadas para la producción artística, de ahí uno de los motivos para subvertir. Esto no es nada nuevo. Tampoco el árbol nació para convertirse en xilófono ¿o sí? La segunda es que siendo la composición musical un código abierto, los músicos dependen de herramientas con código cerrado. Y de esto no es muy difícil ver los efectos. Tiene que ver con los conceptos de identidad personal e identidad tecnológica. En la creación actual es a veces más fácil distinguir si una obra está hecha con el software X o Y que por el compositor A o B. Es cierto que sistemas abiertos como PD o el versátil MAX-MSP presentan salidas, pero no dejan, si no de determinar, sí de marcar de alguna manera el proceso compositivo.

En el siglo veinte la tecnología fue creciendo meteóricamente en complejidad pero paralelamente la interfaz se fue simplificando, haciendo su uso más accesible. Este alejamiento por ocultación de la complejidad hacen sin duda al artista más y más dependiente. Otro inconveniente a añadir a la imposibilidad de subvertir los códigos cerrados. Y, sin duda alguna, la seducción del medio puede crear el espejismo de que aquello que resultó como consecuencia de la aplicación de un determinado software a la expresión de una determinada idea, es válido aunque poco o nada tenga que ver con la idea original. En ese sentido ¿mando a la tecnología o la tecnología me manda a mí?

Hay sin duda más implicaciones y esperamos que así se haga patente a lo largo de este II Congreso, que esperamos suscite el mismo interés que el precedente. Sirva este esbozo como punto de partida para un fértil debate acerca de la creación y la tecnología, sus alianzas y sus servidumbres.

Presidentes de Honor:

Andrés Lewin-Richter (España)
Compositor, Secretario y Director Ejecutivo de Phonos, Profesor de Historia de la Música Electroacústica en la Universidad Pompeu Fabra, Barcelona

Juan Blanco (Cuba)
Compositor, Fundador del Laboratorio Nacional de Música Electroacústica de La Habana.

Comité Científico:

Gerald Bennett (Suiza / E.E.U.U.)
Compositor, Director del Instituto de Música por Ordenador y Tecnología del Sonido de la Escuela  de Música, Teatro y Danza de Zurich, Profesor de Composición y Teoría en la Escuela de Música, Teatro y Danza de Zurich, Suiza.

Gabriel Brncic (España / Chile)
Compositor, Director Artístico de Phonos, Profesor del Instituto Universitario del Audiovisual de la UPF, Profesor de la Escuela Superior de Música de Cataluña (E.S.M.U.C.).

Agostino Di Scipio (Italia)
Compositor e Investigador, Profesor de Música Electroacústica en el Conservatorio de Nápoles.

Max Mathews (E.E.U.U.)
Investigador, Doctor en Música por la Universidad de Stanford.

Jean-Claude Risset (Francia)
Compositor, Investigador en el Laboratorio de Mecánica y Acústica del C.N.R.S. de Marsella.

Daniel Teruggi (Francia/ Argentina)
Compositor, Director de la investigación y Director del GRM, Instituto Nacional del Audiovisual, Francia

 Comité Asesor:

José Manuel Berenguer (España)
Compositor, Profesor en la Universidad Raimon Llull, Director de Caos->Sonoscop

Ricardo Climent (España / Reino Unido)
Compositor, Profesor especializado en nuevas tecnologías de la música de la Escuela de Música y Drama en la Universidad de Manchester, Reino Unido.

Eva Laínsa (España)
Profesora de didáctica musical de la Universidad de Sevilla

José Manuel López López, Compositor
Compositor, Director artístico del Auditorio Nacional de Música, Profesor asociado en la Universidad París VIII.

María Eugenia Luc (España / Argentina)
Compositora, Profesora en la Universidad del País Vasco y del Centro Superior de Música MUSIKENE, Directora Artística de K.L.E.M.

Adolfo Núñez (España)
Compositor, Director del Laboratorio de Informática y Electrónica Musical (L.I.E.M.) del C.D.M.C.

Joâo Pedro Oliveira (Portugal)
Compositor, Profesor de Música Electroacústica en la Universidad de Aveiro.

Nicola Sani (Italia)
Compositor, Presidente de la Fundación Isabella Scelsi, Roma.

Edson Zampronha (Brasil)
Compositor, Profesor de la Universidad de Sao Paulo.

Comité Organizador:

Eduardo Polonio
Eva Laínsa
Eduardo Fuentesal

Coordinación Institucional:
Eva Laínsa

Relaciones Públicas:
Abelardo Polonio

Secretaria:
Purificación Gómez

Producción:
Eduardo Fuentesal

Director:
Eduardo Polonio